艺术一直存在于Michelle叶譿贤的生活里，是一种自然的表达方式，也是一种理解世界的方法。她对人如何观看、感受与诠释身边的一切始终抱有好奇，而创作，则让这些观察有了出口。
叶譿贤 当代艺术家
这些年来，Michelle的作品从抽象绘画延伸至人物创作、雕塑与不同媒介，色彩大胆、强调肌理与媒材变化的抽象作品，也有兵马俑系列、雕塑及跨界创作；她亦曾与 Bentley Motors、Cohiba、Louis XIII 等品牌展开艺术合作。 但若要她为自己的创作归纳出一种固定风格，她反而不愿意这么做。
“我不喜欢把自己和某一种特定风格绑在一起。” 抽象、人物与雕塑，是同一段创作旅程里的不同表达。当她对色彩、动作与情绪感兴趣时，画面可能趋向抽象；当注意力落在人身上，人物便进入作品；而雕塑则让她有机会从立体的角度重新理解形态、空间与材质。她认为艺术家应该拥有改变的自由，而不是因为某一种风格被市场认识，就必须不断重复自己。
她的灵感并没有固定来源，一个人、一段对话、一段记忆、一栋建筑、自然景观，甚至某个突然出现的情绪，都可能成为创作的开始。她形容艺术家似乎一直在观察，即使没有刻意寻找灵感，生活中的细节仍会悄悄累积下来。
人生不断变化，经历一层层堆叠，人也随之改变。因此，在Michelle的画面与雕塑里，经常可以看见层次、动作、肌理、变形与不断发展的形态；甚至有些时候，她是在作品完成之后，才真正理解自己当时想表达的是什么。
所以，她很少要求一个作品必须完全按照最初的想法完成。有时候，她从一个明确的概念开始；有时候只是一个颜色、动作、材质或模糊的感觉，先画草图、测试媒材，也可能直接进入画布或雕塑。随着创作进行，原本的方向可以被推翻，一幅原先具象的作品可能逐渐变得抽象，一件雕塑也可能从最初的概念走向完全不同的结果。
“控制当然重要，但同样重要的是知道什么时候应该放手，让作品自己往前走。”
色彩、线条、构图与动作，是她在绘画里传递情绪的语言；来到雕塑，重量、质感、表面、尺度与形态，则改变了观者感受作品的方式。她不会仅仅因为一种材质漂亮就选择它，而是希望材质本身能够参与作品的意义。
“比起被处理得无比精致的表面，未经修饰、甚至带有不完美感的肌理更有力量。”因此，当作品离开工作室，进入不同的空间，它也会拥有新的生命。
在Michelle看来，艺术从来无法完全脱离环境而存在。同一件作品放进住宅、酒店、商业空间或公共场所，因为建筑比例、光线、材质、人流与观看距离的不同，给人的感受都可能改变。她尤其喜欢艺术离开传统画廊之后所产生的联动。“当雕塑进入酒店、画作进入家中，或装置成为建筑的一部分，艺术便不再只是一件被观看的物件，而开始参与一个地方的氛围与记忆。”
属于这里，也不止于这里
谈到当代马来西亚美学，Michelle的答案同样回到不要被定义。她当然承认，身处马来西亚，生活里的多元文化、传统、历史、自然与不同价值观都会影响创作者看待世界的方式。但她不认为，一位马来西亚艺术家的作品必须刻意加入某种符号，才能证明自己的身份。
“文化早已存在于一个人的经验里，自然会通过创作流露出来。”与此同时，她也期待本地创作者拥有走出文化标签的自由。如今越来越多艺术家开始跨越绘画、雕塑、装置、建筑、设计与科技的界线，比起努力把自己塞进某一种类别，他们更愿意实验，也更有信心建立属于自己的语言。
让作品带自己往前
这样的变化，其实也正好映照Michelle自己的创作。我不想花整个艺术生涯保护一个已经被建立好的风格，也不想维持别人熟悉的自己。对她而言，艺术应该随着人一起改变。今天的作品记录今天的自己，明天有了新的经历、新的感受，创作自然也应该继续往前。
艺术家能做的，是持续创造、持续探索，并让每一件作品拥有存在的理由。至于它最终会走到哪里，她愿意把一部分答案，留给作品自己。
TEXT：HSIN YI
照片由受访者提供
